Pilar se viste de fiesta “Bajo la sombra del Arte”.

Noviembre 24, 2009 por ARS Omnibus

El partido  bonaerense de Pilar tiene características únicas. Además  de contener un  elegante  y sofisticado centro   urbano  en permanente desarrollo y sumar el atractivo turístico de su entorno rural  cuenta -desde hace tres  años- con un  componente estético  muy original , que  lo distingue de otras localidades del norte de la provincia de Buenos Aires en  la temporada estival. Se trata de Ars Dúo: la esperada muestra  a  cielo  abierto  que  convoca  a  artistas de todas las disciplinas,  para  mostrar  sus   obras durante  toda  una  jornada, en  el  espacio  del  Complejo  Bureau, km 49,5 de la Ruta  Panamericana. En su  versión 2009  y con el  lema “Bajo la  sombra del Arte” hay un  anhelo de las organizadoras - María  Claudia  Defante de Mansilla, Carmen  Mahfud  y  Cristina Raimúndez-,  en  enfatizar  características de Pilar, como el  aire  libre  y   puro, que  Ars  Dúo viene promoviendo,  no sólo con las muestras realizadas en el 2007 y  2008, sino también en los eventos Fusión, en Las Palmas y La Trastienda, y su participación en un clásico de la zona: Estilo Pilar.

 

Intervención  de  sombrillas

 

Para fortalecer esa idea, el sábado 12 de diciembre, entre las 18 y las 24 -tal el día elegido para el evento artístico y social que, seguramente, reunirá a no menos de 3.500 visitantes en una maratón de seis horas- está  prevista la exposición de pinturas, grabados, dibujos y fotografías en paneles ubicados en una recorrida a la vista del público, además de una  novedosa intervención  de sombrillas, para lo cual fueron convocados artistas, diseñadores y creativos, que en forma individual o en grupo aborden el típico emblema playero desde su imaginación.                

Durante la  jornada y por el significado que tiene para Ars Dúo el espacio en sí, también habrá un grupo de escultores que van a mostrar sus últimas obras al aire libre.

 La otra cara del evento será su decisivo aporte cultural  a  la comunidad  educativa  local. Para  ello  fueron convocados cinco de los mejores fotógrafos de allí: Walter  Belfort, Beba Delelis, Eduardo Gómez, Liliana  Sánchez  y  Cacho Velardocchio quienes, desde  el  lente y la mirada personal dan imágenes a la muestra ”Negativo-Positivo”, que retrata las distintas realidades del Instituto Carlos Pellegrini: un  ícono  local restaurado  y  refaccionado   para  dar  albergue  en su   claustro  (a partir del  2010), a la  Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad  Nacional de Buenos Aires. 

 

 

Seguramente,  esta vez  la  performance  “El  Árbol  de la Paz”, una obra realizada en distintas  ciudades del  mundo por  artistas y el  público que  visiten  la  muestra y  dejen  allí  sus  deseos tallados en  una  postal de sueños,  para el  próximo  año  (además de los músicos  especialmente invitados, artistas callejeros, percusionistas y un deslumbrante desfile  de modas) será uno de los atractivos más esperados de  la  fiesta de las  artes en Pilar.

Los rostros de los Hijos del Sol. (1ª parte)

Noviembre 5, 2009 por ARS Omnibus

 

Camino de Chile

Camino de Chile

Christian  Vitry  es el arqueólogo  argentino,  investigador y  autoridad  científica del  Museo de Arqueología de Alta  Montaña ( MAAM), que  más  sabe sobre la fiesta de la Capacocha  o fiesta de los sacrificios:  un  antiguo ritual sacrificial en  honor del  Inti Raymi de los incas, que dejó su  ancestral  vestigio hace  mas de 500 años -poco  antes de la llegada de los españoles a América-, en la  base del  volcán  de  Llullaillaco a 6.723 msnm, cuando  hace diez  años  se descubrieron al mundo  los tres  cuerpos que  estaban enterrados (con su  ajuar  íntegro y a  un  metro  y medio bajo  tierra), tiernamente  cobijados en  sendas bóvedas especialmente  construidas,  para que  mediaran desde allí, por su  comunidad, ante los dioses que habitan el cielo.

Vitry  bajó  a  Buenos Aires  desde su  Salta  natal, para   presentar la tercera edición  de su  libro El  Nevado de Cachi”, dio una  conferencia  sobre  el  tema  en el  auditorio  de   la  Casa   de  Salta y dialogó  más de una  hora  con  “Apariciones”, sobre  aquel  descubrimiento de incalculable  valor  arqueológico  y antropológico del que  no quiso  participar,  porque consideró  innecesario e imprudente retirar los dos  niños  y  la doncella de la montaña, en  plena  puna de  la  Argentina. Entonces, se  retiró  de la expedición que  comandaba el  doctor Johan  Reinhard para el  National  Geographic, y  mantuvo silencio  y  cautela sobre el hallazgo que hoy sigue siendo un asombro  para el mundo  científico  internacional por la calidad y el  perfecto estado  de   conservación  en  que  se encuentran los tejidos,  órganos  internos, músculos y huesos  de la  Doncella, el  Niño  y la Niña del  Rayo.

Estructura doble en la cumbre

Estructura doble en la cumbre

Con el correr de los años,  el entrevistado  que hoy  dirige el  área  científica del museo que  se construyó especialmente en  la  capital salteña  para investigar  y  exhibir las  mal  llamadas  “momias”,  conocidas  como  “los  Niños de Llullaillaco”  fue cambiando  la  perspectiva de su  visión  de los  hechos.

Aclara que hoy  la exhibición  de los  cuerpos  no  le provoca el conflicto que  sufrió  al principio y si  bien  “hay  mucha  gente que  siempre  reclama  ver  la  cara y el  cuerpo  de un  inca  clásico, yo pienso que  no  hace  falta exponerlos todo el tiempo a  la curiosidad y al  morbo del público. Pero sí  estoy  de acuerdo en que  las  comunidades originarias  y  sus  caciques, que  veneran en  estas tres  figuras  sagradas la  espiritualidad del  alma  humana (representada    por los ancestros de  la  montaña),  tengan  acceso a ritualizarlos,  en  ocasión  de una festividad inca o  cuando  ellos   lo requieran “.

Hoy,  con su  vasta  experiencia en  el  campo de  la ciencia y  la  investigación Christian  Vitry se  ha  convertido en centinela  y  custodio indiscutido  de las tres  piezas arqueológicas  que guarda el MAAM y que  sorprenden  al  mundo entero, en cada  visita a su cede en Salta capital.

 

Camino de Cachi

Camino de Cachi

La obra que vino a  presentar es un detallado resumen  de  las expediciones que  durante  más de diez  años el  andinista realizó  al  Nevado de Cachi,  para identificar   nueve  picos  principales  (dos  cumbres  con pircado y cinco más,  donde se  encontraron restos arqueológicos y  plataformas rituales para  ofrendas  prehispánicas  de  indudable  valor  simbólico  ceremonial), en un área de nieves eternas. La obra incluye un relevamiento histórico  de la  zona  y una  exhaustiva  descripción  geográfica  del  paisaje  de  montaña.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

FUNDACION ITAU. Una institución que lleva la cultura en su ADN

Octubre 20, 2009 por ARS Omnibus


La   Fundación  Itaú  Argentina, creada el  año pasado, por iniciativa  del  Banco Itaú para  promover  la  difusión de  artistas  emergentes, no  consagrados tiene  una  idea,  finalidad  y filosofía  muy  clara: democratizar  la  cultura, brindando  más  y  nuevas  posibilidades a los artistas para difundir  sus  obras,  a través de  un  programa  pedagógico  y académico que,  gradualmente  acompañará a todas  las actividades   que  promueva la  institución.

“Este  año creamos  el  Premio Itaú  Cultural para  galardonar tres  obras,  que   pasarán  a  formas  parte  del  patrimonio  artístico  del  banco -con el  firme  propósito  de armar una  colección de arte propia, como posee nuestra  entidad  bancaria  en  Brasil, anuncia  José  Pagés, titular de la fundación-,  y una  selección  final  de todas las  obras  recibidas será  exhibida  en  una  o más muestras”.
 


Habrá un  jurado de selección  y  otro  de premiación integrados  por  diferentes personas, quienes definirán   los tres  premios de  un conjunto de  treinta  obras elegidas  por el primer  jurado. Lo  importante es que el plazo de  inscripción  va del 16  de octubre  al  30  de  noviembre de  este  año, y  para   participar cada  artista  deberá  registrarse en  la  página  www.itau.com.ar y  subir  la  imagen  de la  obra en  el  sitio  del premio, al  cual se podrá  acceder  cuando  se  abra el  concurso  en  todo  el  país.

A su  vez, dentro del  plan de la institución, ya  está en marcha el  programa  “Rumbos”, que  fue   fundado en  1997 para  incentivar  la creación artística  brasileña, por  medio  del  apoyo  a la  formación de talentos  emergentes. Además de la  producción  y  difusión  de  sus obras en  el Brasil el  programa tiene  hoy como   materia  prima, tanto  la  producción  artística  en las   más  diversas  áreas del país,  como  la  intelectual  ( al  ampliar su actuación , desde 2000,  a  otras áreas  del conocimiento  humano: periodismo  cultural,  educación e  investigación  académica). El   programa busca talentos en  estos sectores, apoya  la  formación de los elegidos y  promueve  la  articulación  y  el  intercambio entre artistas, agentes culturales, investigadores, curadores e  instituciones.

En la edición 2007-2009  “Rumbos Música”  seleccionó   por primera  vez  y en carácter  experimental,  a  artistas de  Argentina, Chile,  Paraguay y  Uruguay,  además de  Brasil. A  diferencia de  la edición brasileña, en  la que los artistas  se  inscribieron  en  forma  espontánea en  el programa, en  esta  primera experiencia con  América  Latina, cada  uno  de los  países  invitados  contó con un equipo  de curadores propio, que  sugirió veintiocho  artistas locales.  Y  las  dos  músicas  que  cada uno  de esos ciento veintidós  artistas inscribieron en  el  programa integrará   una flamante  caja  conformada por 16 CDs , entre  los  cuales  ocho  se dedicarán  a esa  producción  latinoamericana y  los  demás serán   para  músicos  del  Brasil.  Todos  los  CDs  van a ser   motivo de una distribución  gratuita entre  instituciones  culturales, educativas, aliados  de Itaú Cultural y  medios de comunicación.

 


“Otra  novedad que  muy  pronto -a  fin de  año   o  principios  del  2010- tendrá  la fundación en Buenos  Aires  es  la creación de un espacio  de arte propio,  para  lo  cual se  están  remodelando y  acondicionando  165 metros  cuadrados en  la  planta  baja  de la   esquina  de  Cerrito y  Viamonte, justo   debajo del  edificio  Itaú”, 
aclara Anabella  Ciana, coordinadora  general de  la  fundación. “Este es  otro   objetivo  de nuestra gestión, que  tiende  a  promover el acceso y  la  difusión  de la cultura en  general y de  las  artes   plásticas  en particular, a mayores  capas  de público  y  a toda  la  comunidad”, señala.  


Itaú  Cultural aspira  a ser  un referente del diálogo regional y tiene como misión  brindar  oportunidades  para la  creación  artística joven  y cultivar  la  memoria cultural de  la  región.  “De  este  modo -dice Ciana-  vamos  a  presentar nuevos  artistas en  la  escena  local, que  no  hayan  tenido ocasión  de  insertarse  en el  circuito,  ofreciéndoles espacios de  exposición, difusión y  oportunidades de proyección  regional
“.

    

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El  plan será un intento de  generar  conocimiento en  el  campo  de las  artes  de Argentina, y  apunta a  convertirse  en un espacio de reflexión constante  sobre  las  nuevas  vanguardias del  arte.

Dentro de las  actividades  que la  institución apoyó  este  año como main sponsor, aportando  contenidos  a  la comunidad  está  su  participación en la 5 Bienal  Internacional de  Arte Textil  en Buenos  Aires y  en  el 11 Festival  Internacional de Cine  Independiente (BAFICI),  el  estreno  de “Visionarios”  en  la Alianza  Francesa (un  compendio de  nueve  horas de  cine de línea  documenta), y el taller  teórico-práctico “Mirando  Obras de  Arte”, dirigido  - esta  vez-  a clientes  y  empleados del  banco, que  cautivó  a la audiencia,  con un segundo módulo  destinado a  esclarecer las  oportunidades del  inversor  coleccionista  de  arte.


En  nuestro país, y  en materia cultural quedan varias preguntas por responder. Una  de  ellas  -de  las  muchas que  a diario nos planteamos  los argentinos- es: cuál es  la responsabilidad  social  de  la empresa  privada en el  campo  de lo  educativo-cultural y si  hay empresas ( y empresarios) que tengan una  visión  global y  totalizadora  de  ese rol que, -justamente en  lo  social  y  a nivel  de  la comunidad toda-,  nos  está faltando.  O  la  Argentina seguirá  siendo  -como  hasta hoy-, una   nación (bicentenaria)  a  corto plazo, que  no resuelve  -ni plantea- temas en  profundidad;  como  es -sin  lugar a dudas- la calidad  de  nuestro  sistema  educativo  público  y  privado. Paradójicamente,  el país todo  tiene   una  base  cultural  y  sólida  muy  fuerte y  Buenos  Aires  es  una  capital referente  indiscutible  de la cultura  y el arte en el  mundo  entero.      
 
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La galería que sale a la calle

Octubre 1, 2009 por ARS Omnibus

 La gente que pasa  caminando por  la  vereda de  la calle Cabrera al 5800, casi esquina Ravignani se encuentra -desde abril del 2008- con una  pared que, a una altura razonable para que  todos lo vean, tiene un visor y un  par de conexiones para auriculares.  Allí  está  copiada en Dvd  -y se  ve las 24  horas del día- la muestra  que se exhibe en un espacio  muy amplio que  está al fondo, tipo  galpón de fábrica  palermitana  de los años 50.

La  otra propuesta de esta no-galería,  porque ese es el guiño que propone su nombre: “ThisIsNotAGallery” es un módulo móvil  itinerante llamado TINAGS, que sirve  para acercar aun más la  obra de artistas  a la gente  y a lugares donde usualmente no se espera encontrar algo tan poco convencional como una galería  móvil, rodante; que funciona a energía solar como fuente alimentadora de los Dvd, con lo que se logra una total independencia  de las fuentes de electricidad. La  novedad es que un módulo portátil diseñado así permite variar continuamente la elección de los lugares de instalación, como también  la  libertad de acercarlo a   paisajes totalmente alejados de centros urbanos del país y  de otras ciudades del exterior.

Carlos Baragli y  Florencia de la Vega, director y coordinadora de este espacio de arte  trabajan con audacia y un objetivo muy claro: transformar los espacios súper tradicionales de lo que está instalado como clásico, suprimiendo barreras entre el público  y la obra de arte. Ella  proviene de la fotografía, el teatro y el espacio escénico en particular y él es pintor, docente de cátedras de  dibujo y pintura  en el Instituto Universitario Nacional del  Arte (IUNA), y dibujante publicitario. La  idea inicial que  jamás  los aparta del rumbo que tomaron  es la de  promover un arte al paso: cotidiano, sencillo y al alcance de todos.

Por eso, van  más allá de lo  imaginado y ambos  sueñan con  que, en un futuro,  estos módulos TINAGS estén fijos en espacios públicos de distintas ciudades del  mundo, para que la gente  vea arte  a cielo  abierto y en su  vida cotidiana, como una forma de alentar a una toma  de conciencia acerca  del uso de energías limpias y renovables y como alternativa de producción, aun en proyectos artísticos y tecnológicos.

Otra diferencia entre ThisIsNotAGallery  y una galería más  es que “nosotros vemos todo el  material que recibimos y  contestamos en forma personal cada   una de las propuestas que  nos acercan. Por mes no son pocas: hay entre 25  y 30 artistas que se reúnen   luego  con nosotros o reciben una respuesta por  e mail”, comenta Florencia.

“Queremos ser  una galería diferente, produciendo  proyectos en  conjunto  con artistas y desarrollarnos  como un espacio de arte  contemporáneo, sin disciplina fija; donde puedan presentarse proyectos alternativos de artistas mainstream, como también  primeras muestras de jóvenes argentinos y latinoamericanos”, agrega  Carlos.

Sobre  una sólida base teórica, nada funciona sin  coherencia: El  espacio que la gente “ve en  la calle” de la galería  generó una interacción barrial, de pertenencia. Cada vez que se cambia el diseño  de la imagen que sale de la pared del frente,  las personas del  barrio se detienen  y preguntan e interactúan con el trabajo expuesto. Y lo  que al principio fue algo insólito se convirtió, lentamente, en  parte de lo cotidiano.”No  pretendemos exhibir obra que funcione como armonizadora, sino trabajos que involucren al espectador, con un mínimo esfuerzo, a una experiencia vital que los una a todos, y a la vez, que los rescate de esa situación urbana,” define hasta el cansancio Carlos Baragli.


La  apuesta fuerte de fin de año será el  último fin de semana de  noviembre, cuando ocurra el “Viba Festival”, Video en Buenos Aires Festival, tres días de exhibiciones  de video arte de todo el mundo que puedan ser entendidos  por todos,  sin  ningún  tipo de explicación teórica pero  aceptando  la complejidad formal de un  formato, sin que ello  ponga distancia con el espectador. Serán unas 20 piezas que básicamente tratan sobre la diversidad cultural  y que ya están siendo analizadas  y seleccionadas por dos curadores que toman  las decisiones artísticas y tres asistentes que se encargan de la recepción del  material. “Lo trascendente es que nos llega obra de Islandia y de Japón, porque se generó una red espontánea de artistas que están difundiendo  este encuentro”, anuncia Florencia de la Vega.
 
En cuanto al 2010 hay que decir que encontrará a “ThisIsNotAGallery” en plena evolución. El  nuevo desafío es si Carlos y Florencia  se quedan  en el amplio edificio de  Cabrera 5849, o  se van,  junto con los socios de Baragli: Ricky Vior y Leo Prat, ambos profesionales en el área de publicidad; porque la galería creció mucho  y rápido en la construcción de un hacer que también los diferencia en lo cultural de otras. Y creció tanto, que  ya se elabora la misma propuesta inicial  en Méjico y Brasil, para instalar el formato original “abierto a todos”. Un trabajo  en equipo  que no  aceptan  poses, y que frecuenta el debate y el  disenso, como sustento funcional del proyecto.         
Esperemos que sigan en permanente movimiento. Y que no se muden de allí.

 

Mapa Líquido: los jóvenes también maduran

Setiembre 10, 2009 por apariciones

 

El  sábado  que pasó “Apariciones” hizo  pie  en las calles de Boedo para conversar  con Lucas Marín, artista plástico , fotógrafo y dueño del  espacio  de  arte, que  concibió  en  medio  de  un  paisaje  cuasi bucólico, de enrredaredas, glicinas y verdes canteros bien sembrados. El  está  interesado en  las  raíces y  en el espacio de su barrio, y  concibe  el arte como un acuerdo de encuentros entre diversas disciplinas, que  combinan una forma de expresión  capaz de dar en la tecla del  pasado nacional y  urbano, y con  todas las consecuencias que  conducen  a  un artista a madurar las  brevas del arte contemporáneo.

 

“Hace  cuatro  años  -narra- decidí interpretar el espacio  de arte  que llamo  Mapa líquido, y  donde teóricos  y artistas entre 25  y 40 años sean  los artífices de bajar el saber a un plano  cotidiano, en un  clima de red  alternativa y entre  distintas disciplinas:  poesía, reflección, pintura, objetos, fotografía, video  e  imagen escénica. Hay  un  grupo de artistas con los que trabajamos pero  siempre incorporamos nuevos  proyectos, que  tienden a formar cruces entre artistas y diálogos entre discursos provenientes de campos diferentes”.

 

La propuesta tiene, además  de paredes en  planta  baja y subsuelo, una  mesa de cuadernos y  ediciones de  autor y trastienda de cuadros en el primer piso. Pero  lo  más importante  es el espacio a intervenir  la realidad desde una  hipótesis: establecer una  mirada contemporánea del arte, dentro  de un  clima conceptual temporal sustantivo, en  continuo  movimiento de los límites precisos  de la acción artística.

 

El  resultado es llamativo. Luego de recorrer la  propuesta de la  galería y lejos de establecerse un discurso abstracto  hay  algo que  hace que uno -que sólo fue por un  momento a  conocerla-  sienta  ganas de quedarse. Mapa Líquido o  la añeja y arbolada  esquina de Las Casas 4.100 tiene luz y sombra propia. Está al margen de  la  codicia efectista que  ilumina “lo  nuevo” y actual  del  mercado  del arte  en Buenos aires. En este clima vale  la  pena  estar un rato más.

 

 

Hasta el 26 de setiembre se  pueden  ver las pinturas de Daniel  Callori, Juan Giribaldi y Gilda Picabea, con curaduría  del dueño  de casa, y el 2  de  Octubre suben  a escena una serie de performances  y acciones breves , dentro del ciclo “Cero  vacío” y  donde  varios  autores van a usar  el  espacio “en  vivo” (sin  obra montada), fuera de los  límites de un arte  idealista, pensando  y  haciendo una  nueva realidad artística, con  vínculos  en:  poesía, danza, artes visuales, proyecciones, texto en acto, imágenes o link de video.

 

Lucas va a sorprender en el 2010. Prepara (así no más), “Barrio”: “con textos de escritores  y  poetas de acá -dice- todo, dentro de un  contexto histórico, estético y  como ya dije, literario. Va a ser algo  muy  cercano a nuestras raíces culturales y al arraigo que tantos artistas jóvenes, de nuestra generación y por supuesto, de las anteriores tenemos en Boedo”.

 

Luego de la charla y del café regresamos  a casa, con la sensación de que el arte tiene que ver con  la sinceridad del  deseo cumplido. Entonces, lo hecho cobra sentido. Lleva su tiempo. “Es como hacer el  pan -agrega al final Lucas Marín- primero hay que partir de una buena harina, y una masa que a su tiempo debe  levar; luego viene la horneada. Sólo así lo que  hago tiene sentido”.

 

El toro por las astas de Garfunkel

Setiembre 7, 2009 por apariciones

Pablo  Jantus, coordinador de www.arsomnibus.com asistió a  “Apariciones”, en el taller de Aníbal Garfunkel para  hablar del  emblemático toro de 5,50 X 2,50 X 1,20 metros, que el artista expuso este  invierno en el Senado  de la  Nación y que en octubre próximo estará cómodamente instalado, a  las puertas de  Expotrastienda 09, a partir del 16 de ese mes y  durante los días que  dure la feria, en el  Centro de exposiciones de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires; tal vez con mejor suerte que antes, porque  al  tercer día de su exhibición, en el Salón de las Provincias del Congreso y como la obra podía provocar más  de un dolor de cabeza  a ciertos políticos del establishment hubo que retirarla, sin hacer ruido y a pedido de legisladores y  burócratas que, -montados en  pánico-  prefirieron interrumpir la  visión del  gran becerro en el sagrado recinto, ya que su  sola y  literal  presencia fue tomada, en  principio, como una  directa alusión a la  Guerra  Gaucha: el interminable  conflicto que Néstor Kirchner y su  gobierno mantienen con sectores del campo, alineados  -todos- a la  más rancia  terra-tenencia vacuna.

Lo  cierto es que  Garfunkel trabajó desde  octubre de 2007 -dos años- en  la serie Petróleo, a la  que  pertenece su codiciada -y temida- escultura utilitaria, titulada por él:  ”living  bull-oro macizo sobre  oro negro”. En total, son  unas 15 obras. Las primeras las vimos expuestas el año  pasado  en  la  galería RO de  Roxana Olivieri  y Damián Scher,  y  las últimas están  en su  taller  de la  calle Bulnes, junto  a una  nueva serie de nuevos trabajos que, dice el artista “recién  están  tomando  forma”.

 Con materiales incómodos  para trabajar, nocivos y tóxicos -entre ellos,  brea  y  pintura asfáltica- Garfunkel  hizo  una  obra política pero, curiosamente, no en un clima de  denuncia y  plena de contenido simbólico:  el  toro emblema de los mercados financieros de Wall Street  emerge de, o repta en un mar negro. Se  hunde en el inconsciente de la historia  y nos  remonta a  la antigüedad pre clásica, en  la  figura egipcia del ”Toro de las Ofrendas”, de el sagrado Libro de los Muertos, que acompañaba al  faraón en su paso al más allá.

Tampoco  hay que  olvidar que el líquido, viscoso y  oscuro elemento al que alude el escultor Garfunkel es  nada más y  nada menos que el eje de  la economía  mundial desde el siglo  XX; que además traspasa éste, con la sinuosa consecuencia que viene generando, a un planeta acosado por su  propia civilización. En noviembre 1975, el cineasta y escritor Pier Paolo Pasolini  moría asesinado en el puerto de Ostia, tal  vez no -según develan  hoy estudiosos en  Italia- como  consecuencia de  una  vendetta sexual,   sino   porque en la novela que estaba terminando de  escribir y  que, obviamente  quedó trunca,  denunciaba   con pelos y señales negociados del  gobierno  italiano con las potencias productoras del oro negro y mil  ramificaciones más. Y Pasolini ya la  había titulado  antes de su  martirio: también se llama ”Petróleo”.


La  otra cita que  no  podemos eludir es  la  mención del  mítico toro, como  centro  de la  hecatombe. De eso   trata el sacrificio  narrado una  y  cien veces en  la  Ilíada y de eso se trata hoy: las  potencias del  mundo posmoderno asisten a veces  desoladas, como  los rostros que el artista plástico  imprime  en  sus  obras, y  otras, el mundo entero  -y  los  personajes que lo gobiernan-  se muestra burlón y escéptico ante los  vaivenes socioeconómicos que  produce el fluído hidrocarburo.

 

 

 

La  última  imagen de Petróleo (el de Garfunkel)  es un águila también  empetrolada, pero de purísimas alas doradas, a  punto de alzarse en  vuelo o de rasguñar para siempre, sobre la negra ciénaga de donde proviene. Hay además algunas piezas  más pequeñas y no  por ello menos inquietantes y  llamativas. Son las cabezas-trofeo de algunos políticos y  “personalidades” de   actualidad  mediática, que  también  asoman de un  dudoso mar, ensombrecido de horror  en  la  oscuridad de sus almas ?.

 

Entusiasta, creativo, inteligente, tal  vez la  clave  de este artista sea  navegar  un cauce armonioso y  profundo, dentro del  fárrago de novedades que  uno  ve  a  diario en  los  medios  y  en  las galerías  de arte:  ésas que sólo  buscan sorprender y sacudir  los mercados; aquéllas que intentan  un  efecto admirativo, sin  consecuencias estéticas y artísticas.

 

Octubre, el mes Forner en Buenos Aires

Setiembre 7, 2009 por apariciones

 

Ayer por  la mañana, “Apariciones” junto a  Graciela Sapia, directora de www.arsomnibus.com tuvo el  privilegio de entrar a la casa museo taller Fundación Forner - Bigatti, de la  mano de la  galerista Clara Martínez,  para entrevistar a Sergio Domínguez  Neira, presidente de esa institución, e  hijo de Josefina: hermana de  la  consagrada artista argentina, que  vivió allí hasta 1988.

El motivo  fue anticiparnos a  la  muestra titulada “Ni  ver, ni oír, ni hablar”, que el  público  podrá  ver, a partir del miércoles 7 de  octubre y hasta el 30 de noviembre, en  la  galería de arte  Jaques Martínez, Avenida de Mayo 1130, 4 piso ”G”.

Hoy, como anticipo y a modo de agradecimiento a Clara y Sergio queremos transmitir desde esta columna la  mezcla de magia y el sabor a misterio que sentimos  ayer, cuando traspasamos el  umbral del edificio de  estilo  racionalista, que  la  pareja integrada por la  pintora Raquel Forner y el escultor Alfredo Bigatti  construyó en 1937, en la calle Bethlem 443, en el casco  histórico de la ciudad, en  pleno  corazón de San  Telmo,  justo frente a la plaza Dorrego.

Una vez más , y  ya dentro del ámbito de la actual  fundación sentimos que el arte es vida y que algunos artistas tienen mucho que enseñarnos:  a  nuestra sociedad y también, a nuestra hasta ayer,  vapuleada y hoy degradada clase política; porque  Forner no sólo  dedicó  su existencia a pintar  y a pintarnos, sino que también dejó  un legado pleno de sabiduría y  esperanzada  humanidad. Su obra es ontológica, porque refiere al ser y a la pregunta por el destino de los hombres.

La  muestra que  nos  ocupa es un llamado a la reflexión y a la conciencia de los  hombres,  sumergidos en un mundo de gritos sin  palabras, de sordos sin diálogo, de mudos sin oírse.

“Ni ver ni  oír, ni hablar” es  una advertencia al hoy  y  al mañana.  Hablo de obras -serán unas 13 o  14 en total, las que integren la muestra, de la colección de cuadros que, celosamente custodia en la fundación el historiador  Domínguez Neira-, en puro debate  con la esencia y la existencia  humana de una  raza  adormecida en  en  sopor de  sus  propias pasiones.

“En  esta  línea de interpretación -aclara en un estudio de  su  autoría Domínguez Neira- “Ni  ver, ni oír, ni hablar”  forma parte importante del universo forneriano. “Recurre a ellos a lo  largo de gran parte  de su obra, insistentemente para que  olvidemos y  estemos atentos a la problemática humana “.

“Así, surge de  inmediato  la referencia al mito de los tres monos sabios, mito con proyección universal, con raíces comunes en China, India y  Japón. “Tomemos como referencia directa la custodias del santuario  Toshogu en Japón: “Mizaru”, “Kikazaru” e “Iwazaru” , que significan respectivamente el que “no ve”, el que “no oye, el que “no habla”.

“Sin embargo tal asociación caería en  lo simplista si no profundizamos en  las diversas interpretaciones que esos tres monos han despertado a lo largo de los tiempos. Según la  leyenda,  su sabiduría radica en “negarse a escuchar a ver y a  validar, y negarse  a decir maldades”. Otra versión les atribuye la tarea conjunta  de comunicar a los dioses los errores humanos pasibles de castigo. Pero también en nuestra cotidianeidad  la resistencia para oír, ver y hablar se asocian como negación e impotencia. La misma por ejemplo que siente un niño  tapándose los oídos  cuando  le dicen cosas que no quiere  o no “puede escuchar”, o  cubriendo sus  ojos, cuando lo que tiene que ver, lo paraliza; o aquél, aun en su adultez, callando secretos que signaron su vida”, finaliza el estudioso de la obra de Forner.

Por eso, el verdadero artista no es ideológico. Es un mago que entrega su fuego,  como Raquel, a arder la  montaña  de  basura y escoria que nos ahoga a todos.

El arte de esta artista purifica. Eleva y promueve  la promesa de  otro  tiempo, donde el hombre se  consolide desde sus contrarios contrapuntos: Un  desafío  que está siempre  por  venir. Y  un  motivo  para estar  vivos, en  clara oposición a la muerte. Ella es Forner: mensajera de seres-ángeles, que  viven sin maldición y sin condena.

Juan Calegari y Sergio Domínguez Neira

Suiza, con plaza propia para el 2010

Agosto 25, 2009 por apariciones
Isabelle Petersen-Mauhourat  / Agregada Cultural de la embajada de Suiza

Isabelle Petersen-Mauhourat / Agregada Cultural de la embajada de Suiza

En   la entrevista que  este  medio mantuvo en  forma exclusiva con la Agregada Cultural de la Embajada de Suiza en nuestro país, Isabelle Petersen-Mauhourat, la  funcionaria se perfiló como entusiasta  incansable productora y gestora cultural, que sabe lo que quiere, y cómo y dónde conseguirlo. Resaltó la actividad de dos instituciones: “Presencia Suiza”, que depende del  Ministerio de Relaciones Exteriores y  la  “Fundación Suiza para la Cultura”, esta última, que funciona con un  activo programa de intercambio para la región, y la primera, que da más fuerza a la imagen Suiza en el exterior. Petersen dijo que, en la actualidad  su  país “funciona como  un perfecto ensamble de tradición  y modernidad, en el marco de  una gran diversidad cultural “, y al final de la charla se emocionó  recordando de la obra -ochenta cuadros- del artista suizo alemán Paul  Klee que  por única vez saliron de Suiza, para  ser expustos en un museo de américa latina: nuestro  Bellas Artes.

Pero el verdadero  broche  de oro de una serie de acontecimientos culturales que tendrán lugar el año que viene, seguramente será la inauguración de la flamante   Plaza Suiza, enclavada en  Palermo, dento  del  parque Tres de febrero, en torno al lago de las regatas del golf club, justo enfrente del antiguo edificio de Obras Sanitarias de  la  Nación, hoy Aysa.

Isabelle Petersen-Mauhourat y Juanjo Calegari / entrevista

También en  marzo del 2010, en el marco de los  festejos del  bicentenario tendrá  lugar, en el Centro  Cultural Borges,  la  exposición fotográfica del artista René Bishof y un  programa  de actividades,  cuya agenda completa  damos a continuación:

-Exposición sobre los túneles transalpinos.
-Bienal Borges-KafKa.
-Conferencia sobre la cooperación judicial.
-Gira de la orquesta de la sinfónica juvenil de Zurich.
-Retrospectiva de los films de Peter Liechti
-Libro sobre los constructores-arquitectos, editado por Editions Larriviere.
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Proyecto sobre folklore :  Proyectos propuestos por Pro Helvetia para el 2010 en el marco del Bicentenario
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Visita de dos profesores de bailes típicos suizos, que darán clases y viaje de un conjunto argentino al Festival de Folklore Suizo.
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Intercambio de escritores/periodistas que publicarán por dos meses columnas en principales diarios de ambos países.
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Proyecto de dramaturgia con la puesta en escena de una instalación en Buenos Aires y la otra en Suiza y en Alemania.
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Activa participación de editores suizos en la próxima edición de la Feria del Libro.
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Presentación de un DJ que incluirá en sus recitales música e instrumentos argentinos.
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Intercambio de coreógrafos con el teatro General San Martín.
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Intercambio de compositores argentinos y suizos en La plata y en Rosario. Teatro General.
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Presencia de artistas visuales suizos para una serie de diálogos con artistas argentinos.
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Muestra de los intercambios que se desarrollaron en la actualidad entre Lugano, Suiza y Villa Lugano, Buenos Aires.
Isabelle Petersen-Mauhourat y Juanjo Calegari / entrevista

Bicentenario de la Argentina

Agosto 24, 2009 por apariciones

A un  paso  de conmemorar el acontecimiento   político que  marcó el  inicio de la  Nación Argentina esta  página  quiere saber qué países, a través de su legaciones diplomáticas, van a celebrar  el  bicentenario de los argentinos,  con  bombos y platillos.

Por eso, a partir de hoy  vamos a difundir la  programación y las actividades que día a día  se concreten en  Buenos Aires y en  el interior del país.

Guatemala profunda

Agosto 14, 2009 por apariciones

 

Entre noviembre y diciembre de 2004 estuve tres veces en Antigua. Mi viaje a Guatemala arranca de mucho antes. A los 21 años – actualmente tengo 47-, Alero, la revista de la Universidad de San Carlos publico mis poemas y seguí en contacto con ellos por varios años. Recuerdo que recibía en Buenos Aires cada ejemplar de ALERO con euforia y devoción. A cambio de mi trabajo literario me giraban un cheque de un valor en quetzales -moneda-pájaro sagrado, convertido a dólar.

 

 

Por aquel entonces comenzaba a estudiar mi segunda carrera: Historia y Letras en  la Universidad del Salvador de  Buenos Aires, y hablaba  con mis compañeros de la  facultad de Guatemala, no como de un país real sino  del paisaje-paraíso imaginado, que solo muchos años después conocí: volcán, serpiente, Usumacinta, jaguar, elote, Antigua, Atitlán.

La tercera vez que estuve en Antigua, la última vez, volví a cambiar mis traveller cheks en el banco que esta justo frente a la  plaza mayor de la ciudad. Lo curioso fue que la empleada que me atendió, al ver mi firma estampada en el papel sonrió y me dijo: “usted ya estuvo aquí…verdad”. Quiere decir que, cuatro semanas después de mi primera visita y, por supuesto, de haber concurrido a la misma entidad, ella recordaba mi grafía en un simple cheque de viajero. Eso me sorprendió muchísimo. Fue el toque que me faltaba, para sentirme en el país como quien dice, “entre nosotros” y en mi propia casa.

 

Hablar aquí de la hospitalidad y el carisma del guatemalteco y, sobre todo, del nativo que vive en los pueblos y comarcas  es un hecho por demás conocido y que muestra a las claras, como son las mujeres y los hombres de esta etnia: tiernos y dulzones como  granos de maíz; amplios y puros de corazón y espíritu, como los cuatro puntos de la cruz maya; generosos y  amables, si van a comprar y vender productos y mercancías en  los alucinantes mercados  del  país.

Mis últimos días en Antigua son ahora el tema de estas palabras que escribo. Y esto que escribo es bicéfalo. Por un lado, sentí una nostálgica alegría en la luz; en el fantasma que ronda sus muros desnudos; en el claroscuro de sus  iglesias y edificios fragmentados y semidestruidos, más de una vez, por terremotos  e inundaciones.

 

En Guatemala  sentí también  rozar  la piel de América Profunda,  en cada voz y en cada tono; en cada mirada y en cada silencio; gestos antiguos y verdaderos  de los  dioses de la lluvia, del trueno y del viento, rondándome cerca, todo el tiempo. De día y de noche sentí eso.

Hoy vi de nuevo mis fotos en las calles y en los mercados de Chichicastenango, Panajashel y San Pedro y Santiago Atitlan, que reeditan ampliamente,   los que recorrí en mis viajes al Cuzco y  Puno, en Perú, y  los de  La Paz y  Oruro,  Bolivia. Hoy tengo el gesto de los artesanos impreso en un lugar, que no podría llamar memoria. Creo mejor, que los  llevo en mis manos  y en mis labios, porque siempre me acerco y  hablo muy poco, para no quebrar el tiempo y el espacio de una intimidad –la que logran plasmar en sus obras-, que no deseo perturbar  con  halagos de ocasión.

A todo esto, decía que lo que escribo es bicéfalo, porque en Antigua  hubiese  esperado encontrar un  mercado activo, viviente y a cielo abierto, pleno de reminiscencias prehispánicas. Pero  no fue así.

 

En la plaza central, o en una de las tantas que recorrí a pie, de lado  a lado de la ciudad, bajo sus recovas, o frente al arco de  Santa Catalina, no halle a nadie, como en otros pueblos del interior, desarrollando, una o dos veces a la semana, la actividad comercial  que los caracteriza.

Además, me llamo  la atención que  vendedores  artesanos,  solo lo hacían en los  zaguanes de las casas y  con el sigilo de quienes tienen que esconderse de algo o de alguien.

Por que, me pregunto, no existe una  ley comunal en  Antigua, que rija y otorgue un espacio histórico a  quienes con sincero orgullo me hicieron sentir “como en mi casa”  todos  los días que estuve allí, para que entonces puedan exhibir habitualmente sus productos y artesanías nativas.

Sabemos que el “color local”  esta disuelto en cada uno de  los diseños y piezas etnográficas que ellos realizan, y ese”color local“merece un espacio digno de una  ciudad que, por todo, fue declarada patrimonio  de la humanidad  por la UNESCO.         


Hoy  hace  falta abrir el debate sobre una legislación,  que  permita al nativo descendiente  de aborígenes  autóctonos seguir  imaginando y creando y recreando su mundo, en cada objeto que llega a nuestras manos, como un  legado verdadero de sus antepasados de raza..


En necesario recordar que los  diseños precolombinos no son meros elementos decorativos  sino signos de indudable contenido simbólico  en  los que el mensaje participa de un hecho: la representación en el tiempo  de  un legado  anímico e intelectual que nos llega  hasta hoy, con un significado y un valor altamente comunicativo, en procura de hacer contacto con  la energía de los antiguos. Es por eso, que el hacedor  encarna en cada objeto  el sentido  de lo que e
xpresivamente sucedió en su  cultura, y lo  plasma a través de  hechos concretos,  tan vivos como lo son su lengua y su religión, que perduran  en el tiempo, e integradas a una  misma  e infinita cosmovisión de la existencia. Por ultimo,  en las múltiples  seriaciones de las piezas están  presentes  además,  todos los elementos  de una misma identidad cultural.


Por eso llamo bicéfalo a lo que escribo: hace falta una mirada mucho  mas profunda  del  hecho  cotidiano –ya no del pasado ancestral- sino del  aquí  y  ahora,  de quienes   tienen que  resolver lo inmediato con una mirada  en lo necesario y actual de la vida. 


Antigua, no debe postergar el  legado de su  origen. Su legado está enclavado y  late antes que su  nacimiento hispánico. Y anda aun descalzo en  los hijos de la tierra que habitan  Mesoamérica, mucho  antes de la tardía mirada de España y  occidente. 

Como viajeros estudiosos de  su  cultura,  no aspiramos solamente a palpitar el ensueño colonial de sus  calles y monumentos. Queremos ver a Antigua, al mismo  tiempo,  humeante de  copal  e incienso, humedecida en  pétalos de flores por sus antiguos habitantes, ardiendo cirios de unidad bicéfala, tomando  la intemperie entre las manos. Antes. De otra manera; porque el antes le  devolverá el hacer y el  obrar, en  la emoción y el saber  de sus   hijos naturales. A la luz del  día  y de la noche.