gente del arte

Cortina Abierta
Cortina 1440/ Villa Luro.
Director:
Natalia Saenz Valiente.
Visita previa cita telefónica: 35 315769

Sitio web: http://cortinabierta.blogspot.com
E mail: cortinabierta@gmail.com
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A veces casa, a veces galería. Los muebles desaparecen, los espacios se convierten.

Historia

Cortina Abierta surge a principios de 2009 como parte del festejo de inauguración del hogar de Natalia Saenz Valiente y Alejandro Iannizzotto. Para ese día se convocó a una artista a colgar sus obras en la casa aún vacía como rito de inauguración. Así, los invitados creyeron que lo que realmente se inauguraba era una galería de arte, seguramente debido a las características espaciales de la casa que permite un recorrido circular interconectando los diferentes espacios. Ese primer encuentro fue clave, ya que todos los invitados quedaron muy felices de haber participado del evento, preguntando cuando se realizaría el próximo.
Días después, entendimos que a través de las obras instaladas habíamos resignificado el concepto de hogar y decidimos resignificar, (por qué no), el concepto de galería.

Así nace Cortina Abierta, hogar-galería: un espacio donde generar una accesibilidad diferente a la producción de los artistas, una forma de convivir con la obra de arte en el espacio cotidiano.

Ubicada en el barrio porteño de Villa Luro, alejada de los circuitos convencionales del arte, Cortina Abierta además de su función como galería de arte, promueve interconexiones, tiende redes institucionales como con las bibliotecas populares, clubes, centros culturales, talleres literarios, escuelas con orientación artística, como la escuela de Cerámica, bares, el Museo del Automóvil y escuelas de teatro. Sus integrantes son: Natalia Saenz Valiente y Jorge Salas, ambos Licenciados en Gestión del Arte y la Cultura con especializaciones en Cooperación Internacional y Comunicación respectivamente más Alejandro Iannizzotto, somellier y organizador de eventos. Se suman continuamente un diverso grupo de colaboradores que nutren y potencian los objetivos en común. Por sobre todas las cosas, Cortina Abierta no hubiera sido posible sin un hecho importante en la vida de quienes formamos parte de este proyecto: experiencias fortuitas que desencadenaron en la apertura del hogar como galería, nuestro profesión relacionada al arte y la cultura, nuestra relación con otras galerías, con artistas emergentes y otros no tanto, con sus historias de vida que de charlas se transformaban en proyectos y lo que nos cuentan sus obras como así mismo  la fiel convicción de que podemos ofrecer y sumar al actual panorama expositivo del arte una gestión diferente y potenciada hacia nuevas propuestas.

En este corto pero intenso camino recorrido, una de nuestras mayores virtudes es haber sabido sumar a los vecinos e incorporarlos a las actividades planteadas, así como también la participación de artistas en circuitos legitimados como los Gallery Nigths de octubre y noviembre, a través de una alianza generada con otros espacios emergentes; auspiciando una muestra de arte cubano contemporáneo en el Festival Cervantino de Azul, asistiendo al Congreso de Gestores Culturales organizado por Almagesto en la ciudad de Mar del Plata a través de la “Galería de experiencias” y trabajando con organizaciones culturales de la Provincia de Bs As  como el Taller Literario “El Rinconcillo de Pinamar”, presente a través de la exposición virtual de poemas en una de las muestras.

Contamos con una antigua vitrina que permanece en todas las muestras y que estamos utilizando paralelamente a la programación expositiva. Este espacio acoge propuestas de pequeños y talentosos emprendedores de la moda, el diseño y otras industrias y artes que se circunscriben dentro de la producción actual contemporánea.

En su pequeña trayectoria, Cortina Abierta es un lugar de encuentro entre artistas, teóricos, gestores y público en general; es un espacio de reflexión e intercambio de experiencias en el ámbito de la cultura y en clima intimo del propio hogar. Cuenta con agenda programada de muestras para 2010 y planifica actividades itinerantes para ampliar los alcances del espacio.

Queremos  interactuar profesionalmente, afianzarnos  para enredarnos con otras ideas, incentivar el interés por el arte del presente, contribuir  a orientar a los artistas  en el proceso que implica estar en el mercado: exponer-exponerse no sólo en Cortina Abierta sino participando de concursos y otros proyectos, vender  obras porque es primordial para la contribución al campo de la economía del arte, como así también iniciar una colección y fortalecer el intercambio de obras entre artistas.

Para un público no acostumbrado a la galería tradicional, Cortina Abierta es un territorio accesible, una puerta de entrada al mundo del arte.

Objetivos:

• Ampliar los circuitos de circulación del mercado del arte.
• Favorecer el diálogo de la obra de arte en un espacio cotidiano y ampliar el público que consume productos artísticos.
• Ofrecer una mirada particular sobre los artistas seleccionados según sus técnicas de abordaje generando un discurso curatorial que se teje a través de la casa.
• Elaborar proyectos en conjunto con otras instituciones, organizaciones culturales y productores culturales.>>> ver muestra actual >>>

www.hebedepetrisarte.com.ar

Hebe Depetris Ruiz, art dealer con muchos años de trayectoria en el ámbito de las artes plásticas, presenta su portal dedicado al arte y la decoración.

Vivir con obras de arte es saber combinar placer estético y vida cotidiana. Es a partir de este concepto que Hebe propone un servicio integral en el que asesora respecto a cada uno de los detalles necesarios para lograr esta armonía.

Con un concepto donde la obra de arte no es relegada a un mero objeto decorativo, Hebe crea y recrea espacios, donde arte y vida cotidiana se unen para lograr ambientes, que al ser habitados, permiten vivir nuevas experiencias. Creando un clima de calidez, buen gusto, placer visual y enriquecimiento espiritual en la decoración de una casa.  Es así como pinturas, tapices, esculturas, grabados, fotografías, arte digital, pintura mural y objetos, dan  vida a una decoración.

Hebe se ocupa de evaluar el criterio con el que se ubican las obras ya sea en un ambiente interior o en un espacio abierto: dimensión de acuerdo al tamaño de las paredes, elección por temática, por técnica o por movimiento plástico, puesta de obras y elección del tipo de iluminación.

Asesora en sucesiones, evaluando elementos antiguos y su nueva ambientación, integrando en ambientes modernos obras de diversas épocas y lugares, obteniendo como resultado un espacio contemporáneo.  Además cuenta con un equipo de restauradores especializados para la puesta en valor de obras u objetos, ya sean heredados o deteriorados a través del tiempo.

Galería de artistas

·Arte Digital

Claudia Melo

·Arte Textil

Jesús Casimiro

·Cerámica

Marianne Alonso

·Muebles Escultóricos

Ana Rosa Vieyra

·Escultores

Juan Antonio Córdoba

Ricardo De La Serna

María Silvia Corcuera

·Fotografía

Julieta Anaut

Leandro Natale

Pedro Roth

Sergio Mancuso

·Grabados

Betiana Yungano

Cristina Santander

·Objetos

Mara Marini

·Pintura

Alicia Crocitta

Amador Tanoira

Clarisa Cassiau

Claudia Cristiani

Cristina Sicardi

Eduardo Iglesias Brickles

Guillermo Bekes

Nieve Loureiro

Patricia Porcel von der Becke

Silvia Della Maddalena

Sonia Thomsen

ver futura sede del CCEBA >>>
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Entrevista a Ricardo Ramón Jarne, director del CCEBA 

Pero  su  rasgo sobresaliente al frente del CCEBA es  su  incansable  labor de experto en  gestión cultural. Reconoce que “somos una especie de  ventana  de aire fresco de  la  modernidad  y  de las  vanguardias artísticas. Yo  veo a la cultura  como una  divinidad abarcativa, donde el medio ambiente  es un ámbito  muy importante  a tener en  cuenta,  porque  nosotros estamos  con  la mirada  hacia el  futuro y, desde siempre, en  la  búsqueda y  desarrollo de valores democráticos que permitan establecer  la  gobernabilidad para los  pueblos”.

Y  todo  -y todos-, funcionan como una red de centros culturales de cooperación, donde el  valor del progreso  humano es lo  más  importante, “porque nos  asociamos a los  centros culturales de  cada país (por ejemplo, el Rojas, Malba o Recoleta),  analizando  sus programaciones  para situarnos en una misma línea de apoyo  a sus actividades”, define Ramón  Jarne. “Por eso, nuestra labor de gestores culturales  se  manifiesta claramente  en el apoyo que  el  CCEBA brinda  al  Gobierno  de la Cuidad  de  Buenos Aires  y al  propio  Ministerio  de  Cultura  y  Educación  de la Nación”. 

En  esa  línea  de  intenso trabajo anunció  -para agosto de 2010-, en  el  Palais de Glace una  gran  exposición sobre el arte último, donde participarán  creadores argentinos  y  españoles,  a  cargo de dos comisarios o  curadores: Rodrigo Alonso y  Rafael  Doctor, como  un aporte del  arte  contemporáneo al  diálogo iberoamericano.

El  mismo es un entusiasta  del  arte  emergente, “que  hoy -asegura- está   muy  fuerte en  la  periferia (interior) del  país: Córdoba, Tucumán y  Santa Fe; donde se  manifiesta  y crece  más  libre,  desinhibido y alejado  de la  necesidad que inducen  los  mercados de  consumo. Seguramente, - confía  Ricardo - en  algunos años  más, este  estallido  estético  periférico le  va  a  dar un  nuevo  rumbo al arte argentino”.

Hoy, y con en esa  visión a  futuro, que  vaticina el entrevistado, el  producto  cultural debe tener una sola  premisa y un sólo  objetivo: CALIDAD; independientemente de quién  sea el  público receptor,  otorgándole a los actores visibilidad  y  fomentando  la creación y  producción  de  empresas,  industrias  e  instituciones culturales, que  den impulso a la circulación y  comercialización  de  obras  de  arte,  en  el  mercados nacional e  internacional.   

El vínculo entre arte, vida y profesión es muy  particular. En  Buenos Aires, el  fiel exponente  de este triple acuerdo es la galería de arte “Jorge Mara•La Ruche” que, justamente, lleva el nombre de su director. “Son 23 años de convivencia, entre mi esposo, el arte y nuestra entera dedicación al oficio de dirigir este espacio”, aclara con entusiasmo Nelly  Correa de Mara, quien  comparte desde siempre esa labor  con Jorge.

El  amplio  espacio que hoy  ocupa en Paraná 1133 consta  de un  local de 250 metros cuadrados, depósito y trastienda de 150  metros más. Pero no siempre  estuvo allí. La  actual versión de “Jorge  Mara•La Ruche” es la  prolongación de  dos  galerías que ya  funcionaban en Buenos Aires en la década del  80, y después en  Madrid, entre los años 1990 y 1998. El  “estilo  Mara”  es  bien  definido: “Nos  interesa el arte contemporáneo, representado por artistas entre los 40 y  los 50  años, que ya tienen una trayectoria y nos especializamos en exposiciones temáticas sobre  aspectos muy precisos de artistas consagrados”, aclara Nelly.

Así, en  la sala  se  ha  exhibido  obra de Carlos Arnaiz, Roberto Elía, Adolfo  Estrada, Alfredo Hlito, César Paternostro, Fidel Sclavo  y Eduardo Stupía , entre otros.
Este carácter, también se refleja en el público que frecuenta el  espacio. Habitualmente son conocidos coleccionistas y otros aun jóvenes, que ahora se  inician comprando cuadros de artistas de renombre nacional e internacional.
 
La  próxima  muestra promete ser un suceso, porque el 15 de octubre abre al  público  la exposición titulada “Horacio Coppola: Los  viajes”, con fotografías inéditas  tomadas en  los años 30 durante sus viajes por Europa y Brasil, en su  paso  por San Salvador de Bahía, Río de Janeiro  y Santos. Habrá un imponente libro-catálogo (más de 220  páginas impresas), que incluye textos de Natalia Brizuela (Coppola y la Bauhaus), Luis Príamo (Coppola y la modernidad), más una relación entre el artista, -que fundó junto a Jorge Luis Borges el primer cine club del  país- y la  historia argentina. Y un  tercer  texto a  cargo del crítico David Oubiña, titulado “Coppola y el Cine”. Pero además la obra editada por  la galería lleva un DVD que  contiene  tres cortometrajes del   gran fotógrafo argentino realizados en Berlín,  París y Londres, junto  con el famoso cortometraje dedicado a Buenos Aires sobre la construcción del Obelisco.

“Lo  interesante aquí -sugiere Nelly  Mara- es que el  99  por  ciento de las fotografías que  vamos a exhibir nunca fueron positivadas y tienen que  ver  con los  viajes de este artista de 105  jóvenes y actualizados años, entre  1931 y 1935″. Este  hijo de inmigrantes italianos, que algunos llaman el  gran retratista  de Buenos Aires, porque iluminó  con su lente la  historia de la ciudad  desde  los años 20 logrando una vívida imagen de los  porteños es el  fotógrafo más famoso de la Argentina, que trascendió al  mundo y se destacó  tempranamente en  los  escenarios  europeos del arte de vanguardia. Como artista autodidacta hay que decir que es un verdadero artesano de la cámara y un purista de la imagen.       
 
Para  cerrar un año de mucho  trabajo,   buenos resultados en  lo artístico y  más satisfacciones se  verá  la  obra de Macaparana , un artista geométrico brasileño  nada  convencional, que tomó  su exótico nombre  del pueblo donde  nació, en el estado de Recife y que  “ya estuvo presente  con  nosotros en  nuestro stand de ArteBA, en el 2008 y  2009″, agrega Nelly.
 
Hacia fines de  marzo  o principios de abril del año que viene  la galería  anuncia la  vuelta del   uruguayo Fidel Sclavo a su sala. Y  tal  vez se verá una más del consagrado Eduardo  Stupía, quien actualmente está exponiendo con éxito en  San Pablo, Brasil, donde exhibe trabajos recientes y una antología de su obra anterior. En febrero de  este  año  Jorge Mara llevó  la obra de  este artista  a la Feria Arco de Madrid, y ya hacia fin del 2009 la dupla Stupía-Mara se presentará con una  gran exposición de nuevas obras, en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, (IVAM). Además, en el 2010 habrá  varias muestras de fotografía, siempre de carácter temático, como es el estilo de los  Mara.

Y  como no  podía ser de  otra  manera, el pronóstico  de los mercados que hacen  los dueños de casa,   para el 2010 es  muy  alentador, porque si  bien  “hoy la  plaza  está expectante, nuestros clientes compran  obra de arte, como un  valor seguro  donde depositar moneda líquida; aunque  notamos que los  verdaderos interesados  son mucho más conservadores en  su  elección que antes”, sentencia  el dúo.
 
En síntesis: trabajo  fecundo, constancia -y dedicación plena-, y  objetivos muy claros, para hoy y a largo  plazo  dan sus  frutos.

LUNES
19. 10. 09 / 19hs.

Salón San Martín
Perú 130. Ciudad de Buenos Aires

La  Legislatura Porteña invita a la presentación del monumento a Quinquela Martín, Obra realizada por el artista Antoño Oriana  que será emplazada en marzo del 2010 en conmemoración a su natalicio. 

Para mayor información, consultar oficina de Industrias Culturales Argentinas.Tel. 5252 0660/61  mail Info@indigrafia.com

DE UNA INICIATIVA PRIVADA, UN MONUMENTO A QUINQUELA MARTÍN.
Ver banco de imágenes en ARSO

120 años de su nacimiento, llama la atención que Benito Quinquela Martín no haya tenido aún un homenaje de acuerdo a su vida y obra. Hoy, finalmente se le rinde ese homenaje postergado a través de un monumento realizado por el maestro Antonio Oriana, en un hecho auspiciado y financiado por  Industrias Culturales Argentinas, y el Museo Maguncia de papel, grabado y estampa, donde se hará la presentación.
Las industrias culturales tienen como misión preservar las manifestaciones artísticas materiales e inmateriales, sustentando económicamente a diversas expresiones artísticas y ese es el fin de Industrias Culturales Argentinas, concretando en esta idea concretada: un monumento a un gran argentino.

PRESENTACIÓN WALTER N. SANTORO, PRESIDENTE DE INDUSTRIAS CULTURALES ARGENTINAS.
Poco más de 30 años pasaron desde la muerte de Quinquela Martín y esta es la primera vez que se le rinde un homenaje de esta característica a través de un monumento realizado por el maestro Antonio Oriana , auspiciado y financiado por  Industrias Culturales Argentinas con un estudio preliminar que intenta mostrar no sólo al artista sino al hombre ejemplar.

Para los artistas existe una delgada línea entre su obra y su propia vida. La fama y el éxito (efímeros en general) en vida suelen convertirlos en personas que viven a través y por medio de su obra. Los ejemplos surgen inmediatamente con sólo pensar en el presente. Pero están aquellos que logran hacer primar su concepto de vida por sobre lo trivial o los ensueños de la vanidad.

Vale refrescar una repetida frase -pero no por ello menos acertada- de Bertolt Brecht: “Hay hombres que luchan un día y son buenos. / Hay otros que luchan un año y son mejores. / Hay otros que luchan muchos años y son muy buenos. / Pero hay quienes luchan toda la vida, esos son los imprescindible”.

Quinquela Martín entra en este último concepto. Fundamentalmente porque el artista no dejó de lado al hombre con sus convicciones más sencillas, inherentes a su esencia humilde, a su sensibilidad y grupo de pertenencia. Con el arte en sus manos luchó por brindar un mejor bienestar a quienes fueron los protagonistas de sus creaciones. De acuerdo a sus convicciones y principios, simplemente trató de devolver al barrio parte de aquello que había recibido. Con este proceder buscó erguir socialmente a quienes pintaba doblegados por la repetida carga de los barcos o quienes tenían callos en las manos y sufrimiento en sus almas acostumbradas al rigor y el sacrificio.

Su pertinaz e incansable tarea por brindar una mejor calidad de vida a los vecinos de La Boca enaltecen su figura humana por sobre el artista consagrado. Llevó adelante una empresa -no en el sentido del lucro- como creativo de una idea y de un proyecto de sociedad. Su proceder no se asemejaba a tantas acciones filantrópicas que conllevan búsqueda de prestigio o relevancia de clase. No hay que poner a Quinquela en el mármol sino  en el bronce. Por ello es un arquetipo imitable, un señor que se prodigó a la gente mientras enarbolaba el arte.

Luchó contra las dificultades, contra las enfermedades, contra la miseria, contra los mediocres, contra la burocracia, contra las torpezas del Estado, contra el escepticismo, contra los artífices de la máquina de impedir, contra los promotores del desánimo, contra los forjadores de megalomanías. Luchó por la vida.
Dejar sentada cuál fue la incitación para publicar su vida, lo considerábamos fundamental. Y así lo hicimos.
Para quienes poco saben de la vida del maestro Quinquela, representará un ejemplo de lo que es un auténtico artista elevado y a la vez francamente popular.

Y para quienes ya lo conocen… bueno, será con seguridad una forma de atesorar sus sabias palabras y los recuerdos más queridos de sus trabajos y de sus obras.     /Walter N. Santoro

Para mayor información, consultar oficina de Industrias culturales argentinas
Tel. 5252 0660/61  mail Info@indigrafia.com

Tucumán Joven,
arte contemporáneo con identidad propia.
La diversidad de expresiones en la que se ha desarrollado el arte contemporáneo este último tiempo en la provincia.

Podrá visitarse hasta el  31 DE JULIO
Centro Cultural Borges
ubicado en Viamonte y San Martín

Curador: Cecilia Q. Macció - Dolores S. Acosta - F. Tagliaferri
ver NOTA COMPLETA: ARTISTAS TUCUMANOS >>>

Por Roger Colom

Una de las cosas mejores que tiene cualquier ambiente artístico en cualquier ciudad del mundo es que, de vez en cuando, uno se topa con un verdadero loco, un apasionado que no tiene otra opción que ser artista. En Buenos Aires he tenido el placer de conocer unos cuantos, llenos de fervor y ferocidad en la creación. Uno de ellos es Mariano Lerner.

Lo primero que hizo cuando nos conocimos fue mandarme a la mierda; yo le devolví el golpe y se abrió la amistad. Hay que ser abierto y sincero con los feroces; si huelen el miedo, se aprovechan o se largan, pero no hablan, no se muestran.

A los pocos días de conocer a Mariano, fui a su taller en Flores. Ahí me encontré con obras que no me interesan para nada y con obras importantes, que dicen mucho tanto de su autor como del mundo en que vivimos. Lo que dicen de su autor es el camino de esa pasión que digo. Sobre el mundo, dejan ver una cosa sobre todo: que la pasión conduce a la creación extravagante, esa que no se ve mucho, por lo difícil que es crear una obra así, por el tiempo que conlleva, por la falta de comprensión a la que invita, por la violencia con la que se instala en la realidad. Una violencia benévola, sin duda.

Y ese es uno de los caminos del arte menos explorados. Siempre se ve por ahí lo fácil, lo rápido, hijo de nuestra cultura instalada en la prisa y en el déficit de atención. Sabiendo esto, sorprenderá si digo a qué se dedica Mariano: hace marcos para espejos.

Parece una tontería y no lo es: a mí tampoco me gusta perder el tiempo. Lo que hace sus marcos tan especiales, que los saca de la repetición en serie de la artesanía, es que cada uno es singular… y enorme. Esos marcos gigantescos, con el espejo en el medio, no pueden más que resultar en un comentario brutal y bello sobre el narcisismo que nos acecha. Pero hay más. Me contaba Mariano que cuando se mete de lleno a tallar, el trabajo de las manos con el cincel y el martillo sobre la madera se convierte (casi, dice) en un rezo. El arte siempre ha sido una oración.

Mariano es arquitecto, de profesión, y eso lo ha llevado a una fascinación por la manera en que se construyen las cosas, la precisión que requieren. Sus marcos encajan en esa categoría de objetos de difícil factura. Cada uno le lleva casi un año de atención prácticamente diaria, mantener la pasión así requiere mucha fuerza interior.

Hablé también con Laura Garimberti, curadora de la Galería Palermo H, donde el 27 de marzo se inaugura la muestra “Celebrando las formas”, que incluye a 49 escultores, además de Mariano. Laura se apasiona también, hablando de la obra de Mariano Lerner: “Me parece que a una persona que se juega por lo que realmente siente, que se juega por lo que le gusta hacer, no le puede salir mal. No es tibio, es contundente.”

Y sigue: “Si alguien más racional se plantea: Para qué lo hago, o quién lo va a comprar, dónde lo va a poner: no lo hace. Entonces no se llega a esta cosa preciosa. Porque la gente filtra, filtra, filtra hasta que termina no pudiendo hacer nada. En cambio, no lo filtró, y mira lo que salió.”

Otra cosa. Las obras de Mariano son, sólo nominalmente marcos para espejos, pero una amiga lo salvó del funcionalismo:  “Que la función la ponga el que lo compre.” Eso es importante: Mariano Lerner aporta una obra con sentido, con belleza, con fuerza, pero tiene la inteligencia para abrir un espacio tanto al espectador como al poseedor de esa obra. Dejar ese espacio abierto al sentido, más que al significado, es precisamente la función del arte.

por Roger Colom

Ahí lo tienen, en Villa Lynch, hay un espacio de calibre mundial dedicado a las técnicas gráficas de manera experta. Y no quedan muchos sitios así en el mundo. Para mí esto tiene valor en sí mismo y como parte de eso que siempre digo: es nuestro trabajo dar sentido a lo que hacemos, a nuestra comunidad, a nuestra expresión. Si esperamos que alguien más lo haga por nosotros, nos hemos equivocado de mundo.

Por Roger Colom

Uno de los aspectos más apasionantes de la actual pintura argentina (y mundial) es que uno nunca sabe por donde van a ir los tiros. Nadie sabe ya cuántas veces se ha proclamado y/o lamentado la muerte de la pintura en los últimos 50 años, pero ésta siempre encuentra una manera de volver, de reinterpretar su tradición, de encontrarse de nuevo con la sociedad a la que pertenece.
Una buena parte del proyecto de la modernidad, tanto en la pintura como en otros medios, consistió (para decirlo con brevedad) en un vaciamiento del sentido de la obra, dejando así un recipiente que el espectador debía llenar con su propia interpretación. Al principio esta estrategia estaba llena de peligros, de la excitación que el peligro trae consigo. Desafortunadamente, uno de ellos era la forma por la forma, el recipiente vacío; por contra, los artistas que querían llenar su obra de sentido, no vaciarla, se lanzaron a la revolución social, creando un arte repleto de comentarios sobre la realidad sobre el mundo.
Más difícil ha sido encontrar la estrategia poética; la que no vacía de sentido pero tampoco lo da todo hecho. Creo que una buena parte de la pintura actual se ha propuesto volver por esos fueros.

Hace unos días estuve hablando con Juan Bernárdez (Buenos Aires, 1967), un pintor proveniente del cine y del cómic, artes visuales narrativas donde las haya. Sospecho que recurrió a la pintura porque ese medio le permite lo poético sin la carga y las exigencias en cuanto a un arco narrativo más o menos claro.
Sus pinturas, que aún así mantienen cierta narratividad, están dedicadas al tema lírico por excelencia: el amor. O para usar palabras más contemporáneas, las relaciones interpersonales.
Así, el riesgo del amor, el riesgo de la soledad, compiten como extremos en la representación de sus personajes, hombres, mujeres, que se buscan, se encuentran o no, o se aíslan del entorno para celebrar el hallazgo de sí mismos en el otro.

De las obras expuestas en el Art Hotel, la que más me llamó la atención se titula “Remedio para la melancolía”. ¿Es el arte, es la representación de los/las amantes que soñamos ese remedio, o por el contrario, es la causa? A eso me refiero cuando hablo del ámbito de lo poético, a esa ambigüedad. La ambigüedad no es un camino sin salida.
La estilización de las figuras y los rostros que practica Bernárdez viene de la tradición moderna y sus formas de describir lo que nos ocurre en el anonimato de la ciudad. Y en sus cuadros algo más.
Quizá, como dice él, esa influencia del expresionismo de hace cien años, que buscaba, como hace él también, indagar en lo humano, a través de la potencia de las emociones, dentro del marco hostil de la muchedumbre urbana.

La pintura actual no reniega de ninguno de los caminos de su tradición. En Juan Bernárdez lo que tenemos es un expresionista de nuestro tiempo, con sus soledades, su desesperación urbana, pero en busca del encuentro y la comunidad que abren caminos, tanto estilísticamente como en lo emocional, hacia el sentido. Hacia lo que significa la vivencia humana, que nunca es completa si se da en soledad.

Por Roger Colom

Una galería de arte no es un comercio cualquiera, tiene otras funciones. Entre ellas, quizá la principal sea la producción de sentido. Esto se logra no sólo montando exposiciones, sino también poniendo a disposición del público (y no tiene por qué ser gratis), los materiales para llegar a una comprensión más extensa de la obra de un artista, o de un momento cultural. Esto, claro, requiere dinero, trabajo e inteligencia, por eso nunca me quejo cuando veo que una galería embarcada apasionadamente en la producción de sentido también se involucra con tesón en el mercado del arte.
Hace unos días estuve charlando con Diana García Calvo y Sergio Artola, coordinadora general y curador, respectivamente, de la galería Mundo Nuevo (Av. Callao 1870), que forma parte de una fundación del mismo nombre. Estas dos organizaciones se han dedicado desde hace unos años a la edición de libros y al montaje de exposiciones con el fin de, digámoslo en términos comerciales, poner en valor obras y artistas que merecen un mayor conocimiento por parte del público, de la sociedad en la que vivimos.

Sergio: Siempre tratamos de generar diálogos entre lo que es el proyecto editorial y la parte de galería para que no solamente esté la publicación del libro sino la muestra de ese artista. Entonces se trata de pensar muy bien y tener patrimonio del artista que se va a publicar, para que todo el paquete cierre.

Se especializan en artistas argentinos, tanto del siglo XX como contemporáneos, muchos de ellos infravalorados. No cabe duda de que existe un buen número de artistas en Argentina que no han recibido suficiente atención, por parte de la crítica, el público, las galerías y los museos. Tuve ocasión de bajar a la trastienda, donde me mostraron una colección de uno de los artistas más interesantes de la primera mitad del siglo pasado, Juan Batlle Planas, que aún siendo catalán, yo no conocí hasta que vine a vivir a Buenos Aires. También, están preparando una exposición importante de Remo Bianchedi, de su serie dedicada al castillo de Imendorf, donde los nazis quemaron una gran cantidad de obras de arte al final de la guerra. Y pronto harán una exposición de grabados de Víctor Rebuffo, de cuya obra hace poco sacaron un libro importante. Creo que la idea es iluminar caminos del arte argentino, dentro del país y hacia afuera.

De nuevo Sergio: Nos interesan sobre todo artistas consagrados pero a los que les falta un libro o un estudio. Intentamos tener una visión objetiva respecto a la obra de ese artista. Buscamos miradas independientes que opinan sobre la obra, estudios históricos, etc. Tenemos el ejemplo de Grela, un artista rosarino, al que la historia del arte no le había dado mucha importancia. El libro que sacamos reflotó la obra de ese artista y se empezaron a hacer exposiciones en otros lados.

Diana me contó que la galería existe en su actual emplazamiento desde 2004, pero que fue reformada este verano para mejorar el acceso al y del público. Este contacto con el público, que tiene su expresión física en la galería, es importante para Mundo Nuevo, algo que tanto Diana como Sergio consideran fundamental en su trabajo. No se trata sólo de producir sentido en el ambiente especializado de la historia del arte, sino en la sociedad del que forma parte. Y para ello hace falta un espacio físico y mucho trabajo intelectual y de la sensibilidad.

Diana: Creo que la fundación creció un montón en estos 5 años; nació entre escombros, los proyectos empezaron a crecer y, bueno, hay un presidente que apuesta a seguir. Porque como están las épocas podría decir “Hasta acá llegué”, pero sigue y sigue, y está lleno de proyectos y de visión positiva y confiada.

El nuevo espacio de la Galería Nuevo Mundo abre nuevas posibilidades de trabajo, de iluminación del trabajo de otros, de encuentro y de entendimiento del arte argentino del pasado y del presente. Es un espacio elegante y cómodo que permite una buena cantidad de variaciones en la manera de exponer obra y de estar en el lugar físico del arte.

Sergio: Este espacio se adapta muy bien a lo que quieras colocar. No sé, cada vez que colgamos una muestra la atmósfera es distinta, es como que el lugar cambia.

Y hace falta algo así, precisamente, para dar lugar a la enorme variedad del arte argentino, para verlo, para discutirlo, para aprender sobre él. Al final, la pregunta siempre es:

¿Si nosotros no nos planteamos la tarea de producir nuestro propio sentido (de la vida, de la sociedad, de la cultura), quién más lo hará?